Crítica de teatro

Trabajo y diversión no están reñidos. Cuando se unen, forman el teatro. Pero si, además, es a través del filtro de la juventud de una compañía como SieTeatro, la diversión se transforma en gozosa fiesta. Eso es lo que he vivido en El Umbral de Primavera (la coqueta sala de Lavapiés) con una pieza de Pablo Cano Sales (¡atención!, solo 27 años), ‘La necesidad del náufrago’, que viene representándose hace dos meses en la sala y que, al menos va a permanecer allí uno más. Y vaya por delante que la empresa no es fácil porque encadenar 16 historias en unos 80 minutos que no tienen en común más que el nexo del ser humano y su permanente, inagotable e infinita necesidad del otro, de sus semejantes, de verdad que no es tarea nada fácil.

La Compañía Teatro Clásico de Sevilla ha subido al escenario del Teatro Fernán Gómez de Madrid una interesante versión de ‘La Estrella de Sevilla’, una pieza dramática atribuida generalmente a Lope de Vega, aunque hay quien discute esa autoría. En todo caso, hay unanimidad entre los estudiosos en el dato de que la obra fue escrita hacia 1630, poco después de que el Rey Felipe IV y su valido el Conde Duque de Olivares -¿hay mejor prototipo de monarquía absolutista y caprichosa?- visitaran Sevilla en 1624.

Mil veces me he preguntado en qué obras de teatro, en qué libros, en qué programas de televisión fijarán su mirada los historiadores del futuro para conocer lo que pasaba en esta España del siglo XXI. Si alguno de ellos llega a leer estas líneas que, por favor, no deje de buscar en una tragicomedia titulada ‘Las Princesas del Pacífico’, levantada por la compañía sevillana La Estampida Teatro, que estos días se ha venido representando en Madrid, en LaZonaKubik, ese templo profano del sello de calidad del teatro off de la capital. Y, si le es posible también, de escudriñar entre los miles de vídeos que esta época ha acumulado en las redes, y que emplee unos 75 minutos de su tiempo en detenerse en ella. Encontrará -bien seguro estoy- muchas respuestas a las decenas de preguntas que se habrá formulado sobre el qué, cómo, cuándo y por qué de muchas cuestiones que suceden hoy en este país llamado España y que son objeto de estudio de sociólogos y antropólogos.

Alberto Conejero (Jaén, 1978) ha llegado al teatro desde la poesía y eso se nota desde la primera línea de cada una de sus obras. ‘La piedra oscura’ estaba atravesada de poesía de principio a fin (http://www.diariocritico.com/ocio/teatro/critica-de-teatro/la-piedra-oscura/471579) y ahora, en Nave 73, se ha repuesto su primera obra dramática, ‘Cliff’ (Acantilado), y, aunque su lenguaje es también netamente teatral, no deja de estar también feliz y profundamente inundada de poesía. Es más, yo diría que de poesía que evoca el lenguaje de Federico García Lorca. Y esto -bien seguro estoy de ello- no solo no debe molestar a Conejero, sino todo lo contrario, porque Lorca es el responsable de que este joven dramaturgo haya conseguido llegar a serlo, según su propia y pública confesión

Blanca Marsillach-imposible que nadie del mundillo del teatro no se quite el sombrero al escuchar este apellido- ha vuelto a poner en pie ‘Yo me bajo en la próxima, ¿y usted?’, de Adolfo Marsillach, su padre (actor, director, autor y gestor teatral), en la que integra actores con y sin discapacidad. El montaje ha pisado ya varios escenarios madrileños (recuerdo, por ejemplo, hace unos meses el de La Latina), yahora, y durante unos días, recala en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez de Madrid.

Del 7 al 29 de septiembre los Teatros del Canal acogen en su Sala Negra el ciclo Viaje al Centro de la Danza, una muestra del trabajo coreográfico que se está haciendo en estos momentos en la capital de España por los más jóvenes y destacados artistas de la danza. Son 15 las compañías que están desfilando por los Teatros del Canal con algunas de las propuestas salidas del Centro Danza Canal, uno de los centros más dinámicos en cuanto a creación coreográfica de España. Sus nueve estudios están posibilitando que muchos de los nombres que pasan por ellos estén nutriendo de nuevos montajes y de nuevas compañías a teatros y festivales de nueva y vieja creación.

Un payaso espera el momento de su entrada a la pista del circo. Entre tanto, y mientras se va vistiendo y desvistiendo en el foso del local, los recuerdos de toda la vida se agolpan en su mente. Y entre ellos, sobresalen dos figuras capitales en su crecimiento como persona y como payaso: el de su padre, un payaso Carablanca heredero de un oficio que venía de varias generaciones, y el del Chino de Burgos, un personaje entrañable y sabio, que ha marcado la vida del payaso.

Luis Buñuel (1900-1983), el cineasta aragonés, español y universal, filmó en 1962 ‘El ángel exterminador’, una de sus películas más personales en la que un grupo de hombres y mujeres quedaba atrapado en una habitación sin poder salir de ella. Este ha sido el punto de partida y de inspiración del montaje teatral ‘La balsa de Medusa’, un texto de Antonio Escribano, con dirección de Manu Báñez, que viene representándose en la Sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez, donde permanecerá hasta el próximo domingo, día 20, después de haber pasado durante una buena temporada (desde marzo 2015) por La Pensión de las Pulgas. El propio autor es uno de los seis actores que navegan en esta balsa tan personal y potente como la de Buñuel, en cuyo periplo están también embarcados Marcial Álvarez, Rosa Vivas, Sara Illán, Mélida Molina y Antonio de la Fuente. Todos ellos están espléndidos en sus correspondientes papeles de los que, más adelante, daremos algún detalle.

Uno de los clásicos de Bertolt Brecht más representados, ‘Madre Coraje’ llega al Matadero de Madrid, de la mano de la compañía andaluza Atalaya, dos años después de su estreno en Sevilla, y con un ya largo recorrido a sus espaldas (15 comunidades autónomas). La versión abre la temporada 15/16 del Teatro Español y permanecerá en cartel en las Naves del Matadero (Sala Fernando Arrabal) hasta el 3 de octubre.

Cinco hermanos -tres hombres y dos mujeres- esperan entre ansiosos, expectantes y aburridos, el desenlace final de un sexto hermano, que se encuentra en un hospital y que es presa de una extrañísima trasformación. En el trasfondo hay por medio una herencia y esa sola circunstancia -poderoso caballero es don dinero- hace posible que unos y otros saquen lo peor de sí mismos, su más profunda condición de seres humanos anclados aquí y ahora, en una España con siglos de historia, 40 grados a la sombra en veranos infernales (“¡hace un sol de justicia!” es la frase que más se repite a lo largo del montaje) y los fantasmas atávicos de la que ellos, los personajes, y nosotros, los espectadores, llevamos consigo consciente o inconscientemente.

Los Teatros del Canal han apostado por la comedia -aunque no sin claros tintes dramáticos- para abrir la nueva temporada teatral en una de sus salas, la Verde, en la que, desde hace unos días, y hasta finales de septiembre, se representa ‘Bajo terapia’, de un joven autor argentino Matías del Federico, en versión de Adriana Roffi, adaptada al castellano por David Serrano y bajo la dirección de otro argentino, verdadero referente del teatro actual en la nación hermana, Daniel Veronese (http://www.teatroscanal.com/espectaculo/bajo-terapia/).

La compañía Los Absurdos Teatro representa cada martes en elOff del Lara una deliciosacomedia,‘Manténgase a la espera’, un texto escrito y dirigido por Alfonso Mendiguchía, que también forma parte del reparto junto a Patricia Estremera (a cuyo cargo esta, así mismo, el atrezzo y el vestuario) y Jorge Gonzalo. Los tres artistas son capaces de transportar al espectador durante los 65 minutos de duración del montaje a una realidad que no resulta nada ajena a ninguno de ellos: la lucha titánica y, las más de las veces, también absurda que el usuario de servicios de telefonía móvil se ve obligado a librar contra esa legión de teleoperadores que están perfectamente instruidos por las compañías a las que sirven como ciegos mercenarios. El objetivo es no perder ni un solo cliente y, si para ello, hay que marear, entretener, confundir, irritar, exasperar, o crucificar al cliente, se le hace eso y lo que haga falta con tal de no perderlo.

Hay montajes anodinos, planos, sin gracia. Otros, por el contrario, tienen tantas aristas, tantos aspectos dramatúrgicos sobre los que comentar algo que, a veces, incluso (aunque este no es el caso, se lo aseguro…), lo de menos es el argumento, la historia que pueda contarse en ellos. Algo de esto le sucede a ‘Puntadas sin hilo’, de la dramaturga Margarita Sánchez, en el montaje que ha dirigido José Piris y que ahora se representa con gran éxito de público cada lunes en el Off del Teatro Lara.

El thriller ‘La soga’, de Hitchcock, es universalmente famoso desde su estreno en la gran pantalla en 1948 y, sin embargo, nunca había subido a un escenario para ser representado en nuestro país. Tampoco mucha gente conoce que el texto original no es del cineasta británico sino de Patrick Hamilton. En todo caso, la versión teatral en español que vamos a comentar es de Jesús Martínez y dirección de Nina Reglero y se representa estos días en el madrileño Teatro Fígaro.

Fin de temporada teatral y, por tanto, tiempo de balance. Este es absolutamente personal, después de haber visto -y criticado públicamente en estas páginas, claro está- casi 150 montajes en el teatro madrileño entre septiembre de 2014 y agosto de 2015. La selección de las que más me han calado , tanto en salas grandes (más de 150 espectadores), como en las pequeñas , las señalo a continuación. El orden obedece exclusivamente a la fecha de inclusión de la crítica en este diario digital,y no a ningún otro factor de prelación entre ellas. Desde luego, son todas las que están, aunque sé también que no pueden estar todas las que son....

No es uno de los títulos clásicos del humorista, guionista de cine, periodista y dramaturgo Miguel Mihura (Madrid, 1905-1977). No te asustes si no lo conoces, porque se estrenó hace ya más de medio siglo (23 de septiembre de 1964 en el Teatro Talía de Barcelona), y desde entonces no había vuelto a representarse. Ha permanecido catalogada en el baúl de los recuerdos teatrales de Mihura hasta que Manuel Gancedo (Madrid, 1973), director y adaptador de la obra, ha tenido el acierto de rescatarla y, en pleno verano madrileño, volver a subirla al escenario de la terraza del Teatro Galileo en donde, al aire libre, y -con showman para el entretenimiento de los prolegómenos y el intermedio de la obra incluidos-, un público posiblemente no muy asiduo al teatro, disfruta con este ‘Milagro en casa de los López’, otro exponente del humor absurdo y rocambolesco del dramaturgo español del siglo pasado.

Nos afanamos por poner etiquetas, carteles, clasificaciones a todo. Incluso a las obras de teatro. Tragedia, drama, comedia, tragicomedia... 'Ayuda', obra escrita por María Goos y dirigida por Fefa Noia, podría encuadrarse en lo que comúnmente denominamos comedia, pero que yo me atreveré a guardar en un nuevo archivo clasificador que he abierto con el nombre de Tragedias de lo cotidiano, aunque con tintes de comedia. Me explico -y lo que sigue no es algo inventado para la ocasión-. Hace algún tiempo, y en menos de 24 horas, se me estropeó el ordenador, caí rodando por unas escaleras y, para terminar la jornada, la primera vez en mi vida que invierto en bolsa, esta encadena cuatro o cinco días de bajadas sucesivas que hacen que el inversor novato entre en pánico y decida vender cuanto antes, aunque con ello pierda unos cientos de euros. De esto, o algo muy parecido, pero con mucha inteligencia, mucho humor e intenciones éticas al analizar realidades cotidianas de nuestro tiempo, es de lo que trata esta obra que estos días ha subido a la sala principal del Teatro Lara de Madrid.

Delicia es el nombre de la portera de una finca situada en algún lugar del mundo. En ella, la portera (entrañable, graciosa y genial Juana Andueza) se las trae, dialécticamente hablando, claro está, con otra mujer de porte y actitud señorial (estupenda también Juana Cordero) con quien parece que la portera estuvo muy relacionada en años pasados. Las dos mujeres, ama y criada, están sentadas en una larga mesa abundantemente servida con distintos y apetitosos platos de comida. Ambas comen y beben. La señora se toma con fruición incontenida el jugo de un bote de espárragos que acaba de abrir y, acto seguido, ella misma ofrece aperitivos a los espectadores...

No frecuento el género. De hecho, no es que me sienta atraído por él. Pesan mucho sobre mí varias lecturas acerca del cabaret en España, todas ellas vinculadas al legendario Molino de Barcelona, o al Plata y a ese otro local de vermut y café de postguerra en El Tubo, ambos de Zaragoza. Tres exponentes de la España predemocrática y reprimida, alguno de ellos reconvertido y actualizado.

El lunes pasado comenzó la última semana de la 38º edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que este domingo 26 de julio clausurará los veinticuatro días ininterrumpidos de encuentros escénicos con el barroco universal. La jornada del jueves 23 arrancó en el Corral de Comedias con el Homenaje a Vicente Fuentes, maestro de voz, lenguaje y verso reconocido en toda España por su labor docente en torno al teatro clásico. Ese mismo día, en el Hospital de San Juan, fue también el turno de ‘Don Juan Tenorio’ dirigido por Blanca Portillo, una co-producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que se representará hasta el domingo 26 de julio, donde Tenorio no es un héroe, sino alguien que huye de su propio vacío, llevándose por delante todo aquello que se cruza en su camino: no es sino el vivo retrato del desprecio por los demás.

‘Calderón Cadáver’, una pieza escrita por ocho dramaturgos españoles del siglo XXI partiendo del famoso texto de ‘La vida es sueño’, de Calderón, se ha paseado en esta segunda quincena de julio por el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, Frinje Madrid y la sala Nave 73 de la capital de España. El montajeestá dirigido porErnesto Arias, hombre con una extensa carrera como actor, formado en el Teatro de la Abadía, al que sigue vinculado como profesional y docente.

Unos artistazos, benditos artistazos, que cumplen a la perfección la exigencia casi imposible de un poeta maldito como Baudelaire. Sí, la de ser sublimes sin interrupción. Unos polifacéticos musicazos –compositores propios y ajenos-, benditos musicazos, con su hoja de servicios a la cultura hispana desbordada, desbordante y repleta. Unos chavales que, como ellos mismos cuentan en escena, suman más de siglo y medio, y cada día sus conciertos son mejor –esto no lo dicen ellos, aunque podrían, pero sí quien firma estas líneas-. Pongamos que se habla/escribe de Manuel Arcusa y Ramón de la Calva. ¿De quién, si no?

Unos artistazos, benditos artistazos, que cumplen a la perfección la exigencia casi imposible de un poeta maldito como Baudelaire. Sí, la de ser sublimes sin interrupción. Unos polifacéticos musicazos –compositores propios y ajenos-, benditos musicazos, con su hoja de servicios a la cultura hispana desbordada, desbordante y repleta. Unos chavales que, como ellos mismos cuentan en escena, suman más de medio siglo, y cada día sus conciertos son mejor –esto no lo dicen ellos, aunque podrían, pero sí quien firma estas líneas-. Pongamos que se habla/escribe de Manuel Arcusa y Ramón de la Calva. ¿De quién, si no?

Tal y como se están poniendo las cosas, aquí hay que tener mucho ojito con lo que dices públicamente porque acaso unos años después llega alguien, tira de hemeroteca y resulta que aquello que te había parecido tan gracioso, tan ocurrente, tan sarcástico, tan original incluso tan enraizado en la más genuina tradición... pues resulta que puede herir susceptibilidades de personas o instituciones en función de los nuevos valores imperantes en los tiempos que corren. Vale, pues ese miedo no lo busques en ‘Desde aquí veo sucia la plaza’, dirigida por Chiqui Carabante. Su estreno oficial se produjo los pasados días 11 y 12 de Julio en el Plató Cineteca de las Naves del Español, dentro del Festival Frinje Madrid 15, pero su destino es imprevisible porque, seguro, dará mucho que hablar.

Dos nombres, el de un autor que renovó el teatro escrito en lengua rusa, Anton Chejov, y el de un teatro, La Latina, están ya unidos indisolublemente al concepto de éxito en estos meses de canícula madrileña. Lleno hasta la última butaca en platea, palcos y último piso, el día 11 en la sesión de tarde, ‘Atchúusss!!!’, -así han denominado a la adaptación que Carles Alfaro y Enric Benavent han hecho de seis historias cortas del Chejov más joven-,y aplausos enfervorecidos al terminar la función. Y el más difícil todavía: habiendo contentado al público habitual de la sala (gente que busca la sonrisa, el divertimento y pasar un rato de teatro que le deje un regusto amable, para volver pronto a una nueva propuesta) y a los otros espectadores, más exigentes y críticos que no se casan con esta o con la otra sala o con este o aquel actor o director.

Los laboratorios escénicos de creación de LaZonaKubik y el Centro Dramático Nacional (Laboratorio Rivas Cherif) han subido al escenario de la sala Francisco Nieva del Teatro Valle Inclán la pieza ‘Hard Candy’, de Brian Nelson, en adaptación y traducción de Lola Blasco y bajo la dirección de Julián Fuentes Reta.

España profunda en pleno barrio de Lavapiés (Karpas Teatro, en el número 19 de Santa Isabel). La acción de ‘Bodas de sangre’ tiene lugar en la tierra andaluza del poeta y dramaturgo Federico García Lorca, quien escribió esta tragedia en tres actos y siete cuadros en 1931. La celebración de una boda va a desencadenar una tragedia que parece inevitable desde el principio.

En las dos últimas semanas ha podido verse el estreno de ‘Fortune Cookie’ en el Teatro Valle Inclán, obra de José Manuel Mora, condirección de Carlota Ferrer, del queya pudimos ver un taller previo de investigación teatral, en el proceso de creación de la obra y cuyo resultado final ha superado con creces lo entonces apuntado (http://www.diariocritico.com/ocio/teatro/critica-de-teatro/fortune-cookie/476569).

El Teatro Español ha representado durante las últimas semanas a Max Aub (1903-1972), dramaturgo y narrador español de origen francés -nació en París, hijo de padre alemán y madre francesa-, dando su nombre a una de sus naves y estrenando un cabaret literario de largo, sorprendente e inusual título, a partir de sus textos: ‘Tengo tantas personalidades que cuando digo 'te quiero' no sé si es verdad’. El montaje ha sido dirigido por Jesús Cracio sobre varios textos del autor

Heiner Müller (1929-1995), dramaturgo, poeta, escritor, ensayista y director de escena alemán no ES demasiado conocido por el gran público en nuestro país, aunque su figura es clave para entender la vanguardia teatral europea de la segunda mitad del siglo XX. En la década de 1950, mientras trabajaba en una librería y, más tarde como periodista, empezó a escribir obras de teatro, de las que la primera en estrenarse fue ‘Diez días que estremecieron al mundo’ (1957).

Per Olov Enquist (Suecia, 1934), periodista, escritor y dramaturgo, escribió en 1975 ‘La noche de las tríbadas’, su primera obra de teatro. En ella analiza la misoginia de August Strindberg y una posible relación homosexual de su mujer. La representación de una obra teatral de Strindberg se convierte en una discusión a muerte entre el dramaturgo y la actriz Siri, todavía su esposa. El título de la obra alude a la noche de la despedida de la pareja en Greek y se desarrolla en marzo de 1889.

Fernando Sansegundo, actor, director y dramaturgo, es el responsable de ‘La cumbre’, un montaje que ahora se exhibe en el Teatro del Arte y en el que dos mujeres de empresa de nuestros días, con todas las armas sobre la mesa, tienen un enfrentamiento brutal, sutil y directo -según los momentos- en el que, desde el principio, ya se intuye que no puede haber final feliz: solo la una o la otra podrán subsistir; y no todo es cuestión de incompatibilidad de caracteres sino también de intereses de poder económico, financiero y cierta rencilla personal.

Ha protagonizado en los últimos años varias obras dirigidas por Miguel del Arco, ‘La función por hacer’, ‘Veraneantes’ y ‘Misántropo’. Solo pudimos verlo en esta última y nos dejó una honda impresión por la fuerza interior y lo descarnado de su interpretación (http://www.diariocritico.com/ocio/teatro/critica-de-teatro/misantropo/455281).

El Festival ‘Una Mirada Diferente’, del Centro Dramático Nacional (CDN) viene desarrollándose desde el pasado 29 de mayo y termina el próximo 7 de junio. Por él han pasado o pasarán diversos montajes, tan distintos entre sí, como interesantes en su conjunto: ‘Im-perfectos’ (Moments Art, España), ‘Corpo sobre tela’ (Marcos Abranches, Brasil), ‘Signos encadenados’ (El Grito, España), ‘Frikis’ (El Tinglao, España). Teatro Abierto (Danza Luna, Lysarco, Afanias, Avatares, Domingo Pisón) y ‘De las manos’ (Teatro Lafauna, España).

¿Por qué correr? ¿Cuál es el objetivo? Quizá estas preguntas necesiten una respuesta metafórica o simbólica en la obra de Edoardo Erba 'La maratón de Nueva York', que se representa en la sala Nave 73, dirigida por Jorge Muñoz, producida por 'Criadero de Morsas' del albaceteño Juan Carlos Navarro y los alicantinos Chechu Moltó y Joaquín Mollá. Y que fue galardonada como Mejor Espectáculo en el X Festival de Teatro Independiente INDIFEST. 

Más de treinta años lleva mostrando su trabajo sobre los escenarios  la Compañía Teatro Corsario que, en esta ocasión, viene como  invitada a la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) con una de las obras esenciales de Calderón de la Barca, 'El médico de su honra', en afortunadísima versión y dirección de Jesús Peña. Se nota que, a lo largo de su trayectoria, los 'corsarios' han puesto en pie más de una veintena de montajes de obras de Lope, Tirso, Shakespeare y Calderón, y que con ellas han recorrido los más importantes festivales de teatro clásico. 

Después de ser estrenada en Avilés, el Teatro María Guerrero ha puesto en escena 'Adentro', de la autora, directora y actriz argentina Carolina Román. Aún se sigue representando en Madrid su segunda obra, 'Luciérnagas', aunque sin duda fue su tremendo éxito de 'En construcción' el que ha permitido a Román estrenar ahora en el Centro Dramático Nacional esta pieza que, sin embargo, fue la primera que escribió. Cuando terminen las representaciones en el María Guerrero, el próximo 17 de mayo, emprenderá gira nacional que llevará el montaje a otras ciudades españolas, empezando por el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

El teatro, espacio para el conocimiento del ser humano y de la vida, alza su telón en esta ocasión para plantear un tema tan natural como controvertido, en un montaje de 'La tropa' produce que nos acompaña por el camino del sexo, la sexualidad y la sensualidad. 

La Sala de la Princesa, la pequeña del Teatro María Guerrero de Madrid, acoge desde el 18 de marzo pasado y hasta el próximo 29, las funciones de 'La ciudad oscura', la última obra de Antonio Rojano, un texto creado en el Laboratorio Rivas Cherif de investigación dramatúrgica, que el Centro Dramático Nacional ha creado con el fin de incentivar la escritura entre nuestros autores más jóvenes, como es el caso de Antonio Rojano.